Archive for the ‘Recomendamos’ Category

h1

“Sonidos negros en Argentina” en Jazzología

abril 30, 10

PRESENTACION DEL CD: “SONIDOS NEGROS EN ARGENTINA” EN JAZZOLOGIA
SERÁ LA REUNIÓN N º: 1824 DEL CICLO Y TENDRA LUGAR EL MARTES 4 DE MAYO, EN SARMIENTO 1551, A LAS 20.30 HORAS, SALA ENRIQUE MUIÑO, CON ENTRADA GRATUITA.

El lanzamiento del primer disco representativo de la Diáspora Africana en el país: “Sonidos Negros en Argentina” se efectuará orgullosamente en el ciclo “Jazzología”.

Se trata de una iniciativa de Emanuel Ntaka, con una variedad de sonidos y melodías que ofrece cada región, participando músicos africanos y descendientes de diferentes países, como: Banakabu (Senegal); Bayakan (afrocubano); Bejuco (afroecuatoriano); Bonga (fusión candombe uruguayo); Emanuel Ntaka (sudafricano/argentino); La Familia (candombe argentino); Los Feos (caboverdeano); Luis Mina (afroperuano) y Stella Delphino (Brasil).

El Proyecto “Apoyo a la Población Afroargentina y sus Organizaciones de Base” inscribe el presente desafío que tiene como objetivo contribuir a la visibilización de la población negra del país y al reconocimiento de sus aportes en la conformación del Estado-Nación. El Proyecto, gestionado por la Sociedad de Socorros Mutuos “UNIÓN CABOVERDEANA” (fundada el 13 de agosto de 1932), surgió de la necesidad de efectuar acciones coordinadas, articuladas y específicas entre las distintas organizaciones y personas a favor de la promoción y resignificación del colectivo afro para revertir el secular proceso de negación, marginalización y racismo del que ha sido objeto. En este sentido, el disco corona una serie de actividades que van desde charlas y seminarios de cultura africana, afroamericana y afroargentina, talleres de salud étnica, capacitación e inserción laboral para jóvenes hasta reportajes fotográficos, videos educativos, distribución de material bibliográfico y festivales, como los de ARGENTINA NEGRA I – II cuyos artistas y músicos fueron convocados en esta ocasión.

Por tales motivos, dicha producción discográfica será pionera en su forma y alcance, tanto por la calidad como por la variedad de su registro artístico. Compuesto por diecisiete canciones está acompañado de un documental en el que se describen detalles del backstage y narra, con la voz de sus protagonistas, las experiencias y vivencias personales de los músicos en el propio proceso de realización.Resulta importante destacar que la particularidad de esta producción es que en ella participan músicos africanos y descendientes de: Cabo Verde, Guinea-Conakry, Senegal, Sudáfrica, Cuba, Brasil, Uruguay, Perú y Afroargentinos. Por lo tanto, sus oyentes pueden disfrutar de la variedad de sonidos y melodías que ofrece cada región con la singularidad de haber sido íntegramente producido y realizado en la ciudad de Buenos Aires junto a músicos profesionales argentinos.

La iniciativa surgió de Emanuel Ntaka, músico-productor argentino de origen sudafricano, quien en el 2007 y luego de compartir escenarios con diversos músicos africanos propuso la realización de un disco que delicadamente combinara la belleza de todas sus melodías y que, de ese modo, los artistas pudieran difundir su trabajo y conquistar un espacio, aún negado. De inmediato la idea generó un eco importante entre quienes, desde diferentes ángulos, luchan incesantemente por recuperar un espacio socialmente perdido. A partir de sucesivas reuniones y con el apoyo de Miriam Gómez, se consiguió un subsidio para su producción otorgado por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).

COORDINACIÓN Y COMENTARIOS: CARLOS INZILLO.

Agradecemos su difusión

Las entradas se retiran dos horas antes de la función (Capacidad limitada: 270 localidades). Para más información: 4374-1251 al 59 Int. 2135 y 2269 Sarmiento 1551 – C.A.B.A. www.ccgsm.gob.ar

Anuncios
h1

Jazzologia por Andrea Angeli

julio 26, 09

Me topé con estas fotografías en YouTube, realizadas por el fotógrafo florentino Andrea Angeli durante la temporada 2008 del ciclo Jazzología del Centro Cultural San Martín.

Otra mirada, tal vez ésta muy profunda, de la presencia de los músicos en el escenario y de la puesta en juego de su subjetividad en la música.

h1

Santiago Vázquez presenta La Grande

julio 25, 09

Dice el My Space del grupo:

AVISO: FECHA DE ESTRENO 12 DE AGOSTO!  Santiago Vazquez y LA GRANDE El nuevo proyecto del creador de La Bomba de Tiempo Una banda de 12 músicos en estado de creación permanente. Una coctelera eléctrica y rítmica en la que se mezclan en vivo todos los estilos. Usando las señas para dirección de improvisacion que creó para La Bomba de Tiempo, Santiago Vazquez va tramando ritmos y grooves en un viaje en el que cada músico de este súper seleccionado aporta su propio enfoque: Afro Beat, electrónica, funk, jazz, música balcánica, rock y lo que aún no se sabe… Una nueva experiencia cien por ciento para bailar.

la grande

h1

Diego Bruno en Buenos Aires

junio 30, 09

Tras varios años de estar radicado en Salvador de Bahía, Brasil, el guitarrista Diego Bruno toca otra vez en Buenos Aires para presentar su disco Reflejos, grabado poco antes de cambiar de país de residencia.

El CD presenta temas propios y fue grabado con Oscar Giunta en batería, Hernán Merlo en contrabajo, Ernesto Jodos en piano y Ricardo Cavalli en saxos (en tres temas).

La cita es el próximo miércoles 1 a las 21.30 en Virasoro Bar, Guatemala 4328, CABA, con el mismo personal de la grabación.

reflejos

h1

Paula Shocron presenta Homenaje (a Andrew Hill)

junio 30, 09

Paula Shocron Trío

presentará en vivo Homenaje junto a su trío

Jerónimo Carmona en contrabajo y Carto Brandán en batería

los sábados 4 y 11 de julio a las 21.30 en Thelonious Club

Salguero 1884

 

PAULA SHOCRON

Homenaje

 

La pianista y compositora más destacada del nuevo jazz argentino presenta su nuevo disco, una suerte de homenaje a la obra de Andrew Hill, editado por Sony Music.

Homenaje, editado en todo el país por el sello Sony Music, es el cuarto disco de Paula y el segundo que concreta junto a estos músicos que conforman su actual trío: el contrabajista Jerónimo Carmona y el baterista Carto Brandán. Por esto, se puede decir de alguna manera que el disco pretende dar una síntesis del trabajo compartido en estos años. Pero la fuerza que sostiene e hilvana toda la placa es la de rendir homenaje a Andrew Hill, músico genial no muy conocido para un público generalizado dentro del mundo del jazz, pero que ocupó un lugar muy importante en años cruciales de este género, en los 60’ sobre todo, y de ahí en más hasta su muerte en el año 2007…

En Homenaje puede apreciarse la gran fuerza compositiva de Paula Shocron , la cual se materializa en seis de los temas que conforman el disco.  Para destacar “Primavera” y “Querido Andrew”.  Dos versiones “Tired Trade” y “Not So” de composiciones del homenajeado completan el material que propone un juego musical fresco y emotivo que excede largamente los límites del jazz.

Dice Paula sobre Hill: “Personalmente creo que, tanto como compositor como pianista, es muy original, con colores y un sentido rítmico muy personales. Pero también se escucha muy frecuentemente en sus discos una energía que nos lleva, como una especie de viaje, hacia diferentes épocas de esta música tan maravillosa que nosotros tenemos tan lejos físicamente…”  Con “Homenaje” no se ha pretendido recrear su estilo pero “sí ir a la búsqueda de esa energía, de ese espíritu de viaje, tanto en sus composiciones como en las mías, tratando de ser cada uno de nosotros, nosotros mismos.”

 

Contacto de prensa: karinabarrozo@arnet.com.ar

Más información en www.paulashocron.com.ar  /  www.myspace.com/paulashocron

 


paula shocron homenaje

h1

Escalandrum 10 años gira cordobesa

mayo 30, 09

Escalandrum10_CordobaTour

h1

Ornette Coleman en Argentina

mayo 5, 09

(Nota extraída del Suplemento Radar de Página 12, 03/05/09)

El mañana nunca muere

Ornette Coleman fue quien dio al jazz una libertad totalmente nueva y, a partir de él, inevitable incluso para sus detractores. Texano, poco ortodoxo y determinado a tocar lo que escuchaba en lugar de lo que correspondía a los patrones melódicos y armónicos predeterminados, la aparición de su disco Free Jazz: una improvisación colectiva, en 1960, lo puso en el centro de la escena y bajo fuego cruzado: para unos, era lisa y llanamente un genio, para otros, un “desafinado” responsable de haber “asesinado al jazz” y de estar “podrido por dentro”. Medio siglo después, y tras una obra incontestable, Ornette Coleman toca en Buenos Aires para mostrar esa música que siempre se conjuga en futuro.

Por Santiago Rial Ungaro

“La mayoría de los músicos no querían saber nada de mí. Me decían que no conocía los acordes y que no tenía buena entonación. Pee Wee Crayton (uno de los primeros directores de orquesta que tuvo en Texas) no comprendía lo que yo trataba de hacer y llegó al punto de pagarme para que no tocara”, cuenta Ornette Coleman (1930), hoy por hoy unánimemente considerado uno de los máximos creadores de la historia del jazz. Desde su irrupción, hacia finales de los ’50, este hombre tranquilo e introspectivo que paradójicamente gusta de la ropa (y de la música) colorinche y chillona, generó pasiones enfrentadas. Sin ir más lejos, Miles Davis lo trató, lisa y llanamente, de “mal músico”. Quizá sea por todas estas críticas que recién este jueves 7 Ornette Coleman se va a encontrar, por vez primera, con su público porteño, algunos de los cuales quizá sean seguidores de su música desde hace medio siglo.

La maldad de Miles quizá se pueda entender (no justificar) por el hecho de que, al estar durante años acostumbrado a ser el centro de atención del mundo del jazz, la edición de discos como Something Else o Tomorrow Is The Question, del cuarteto de Coleman, lo puso celoso. Pero lo injusta que era su actitud lo confirma él en su propia autobiografía, cuando reconoce la influencia de Coleman sobre su propia música en los ’70, luego de haberlo criticado duramente apenas unas páginas antes.

colemanLo cierto es que si la genial música de Miles Davis dibujó una de las caras del futuro del jazz, la otra le pertenece a Ornette. Y este jueves, acompañado por dos contrabajistas (Al McDowell y Tony Falanga), una batería (Denardo Coleman) y munido con su saxo alto, volverá a decir aquella frase que tituló uno de sus discos: tomorrow is the question.

El termino Free Jazz va a ser siempre relacionado con Coleman, que arrancó la década del ’60 con un disco titulado justamente así, Free Jazz, y subtitulado “Una improvisación colectiva”. Claro que, aún hoy, más bien parece un choque de colectivos que una orquesta. Y, sin embargo, esta reunión de grandes músicos de la vanguardia del jazz de entonces estaba planteada como un doble cuarteto (dos baterias, dos contrabajos y cuatro instrumentos de viento luchando entre sí). Al principio el grupo interpreta el tema al unísono y después improvisan con total libertad, y simultáneamente. Lo que en su momento fue considerado una herejía musical se convirtió en piedra fundacional del movimiento del free jazz y piedra funeraria del swing.

Es probable que haya sido por este manifiesto que Coleman fuera tan cuestionado: Free Jazz era un experimento sonoro. Al igual que algunas obras de John Cage o el Metal Machine Music de Lou Reed, su principal mérito es su mera existencia. Pero en Free Jazz y sus discos anteriores Coleman rompió moldes armónicos según los cuales la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que, hasta ese momento, sólo merecían el despectivo calificativo de cacofonías. Pero si bien alteró la métrica rítmica, base canónica del jazz, no perdió el swing: cuando uno escucha hoy por hoy Free Jazz se encuentra, en última instancia, con un disco de jazz. Jazz libre, claro.

Se suele insistir en que Coleman fue calificado en partes iguales como genio y como fraude, pero mas allá de la historia o del fetichismo histérico, lo cierto es que todos, sus detractores (como Miles o Max Roach, que dicen que llegó a agarrarlo a piñas) y sus admiradores (John Lewis, que lo hizo entrar en la Lenox School of Jazz en 1959, John Coltrane, Pat Metheny, todos los músicos del Free Jazz y hasta Miles cuando se le pasó la bronca inicial), coinciden en que éste no sólo no es su mejor disco, sino tampoco el más representativo.

Por eso es que resulta oportuna la reciente reedición de The Complete Science Fiction Sessions que hizo el sello Sony. Basta escuchar las 17 composiciones del cd doble (que incluye los discos Science Fiction y Broken Shadows, ambos grabados entre 1971 y 1972 en New York City y editados por el sello Columbia) para entender que el valor de su música no es anecdótico ni histórico.

Aquí el free jazz ha decantado: ya no se trata de un manifiesto sonoro, sino simplemente de música: aquí hay hermosas canciones que recuerdan sus comienzos en el R&B (pero cantadas por una cantante india), arrebatos de free rock o free funk (nombre que algunos quisieron darle a la música de Ornette); instrumentaciones poco convencionales (Coleman tocaba el violín como instrumento de percusión, a veces aparecen dos baterías en tándem), algunos sutiles efectos especiales generados en el estudio de grabación (algo inusual en un músico de jazz) y hasta un collage sonoro que incluye un poema recitado sobre una furibunda base free jazzera mezclado con el llanto de un bebé: música funcional para hacer un viaje por el espacio, o por el tiempo.

Y es que al escuchar el disco entero, más allá del vértigo de las improvisaciones o las sorprendentes líneas melódicas, lo que queda en claro es que el talento de Ornette Coleman siempre estuvo en la composición. Y, como bien señala en El Jazz Joaquim Berendt cuando traza una especie de “vidas paralelas” entre Coleman y Coltrane, a pesar del prestigio de ser, de algún modo, uno de los creadores del free jazz, Coleman es, en esencia, un compositor y así es como se vio siempre a sí mismo.

Por eso es que en el momento de editar un experimento orquestal como Skies of America (1972), el propio Coleman ya le había dado forma a su teoría musical: la “harmolódica”, que se basa en la absoluta paridad de importancia de las cuestiones armónicas, melódicas y rítmicas. Cada melodía llega con su propia armonía, despegándose en gran medida de las convenciones armónicas. Es decir, melodías que se abren y se cierran en sí mismas, sin atender las progresiones de acordes. Pero el origen de esta originalidad provenía de una confusión: surgido de una familia muy humilde, Ornette, entre los 14 y 15 años, empezó a tocar el saxo como autodidacta. Y nadie le había avisado que el saxofón se anota en forma diferente de su afinación… razón por la cual tocaba todo “mal” académicamente.

Siempre se ha señalado que el sonido cálido y brillante de su saxofón tiene su origen en la música rural de su Texas natal. Siempre se ha señalado que casi todas las melodías de Ornette Coleman se pueden cantar (de hecho la música de Coleman, al lado de la de Coltrane o de Sun Ra, es bastante más estática y mucha menos explosiva), y de hecho tiene su origen en la música popular, el folklore: por eso se ha dicho tantas veces que su música provenía del blues.

De todos modos, volviendo a la reedición de estos discos, lo que se percibe en estas sesiones es la madurez y la compenetración, casi telepática, que habían alcanzado Ornette junto a sus principales colaboradores: el gran Charlie Haden en el bajo, los bateristas Ed Blackwell y Billy Higgins, y Don Cherry con su simpática trompeta de bolsillo, que ya habían estado con Coleman en Free Jazz.

Mucho más podría decirse sobre sus experimentos orquestales (alguien dijo que Coleman usaba la orquesta como un saxofón) o sobre el grupo Prime Time que formó luego, con dos guitarras, dos bajos, dos baterías, en el que brillaron el baterista Ronald Shannon Jackson, su hijo Denardo y el guitarrista James Blood Ulmer. Esta música a la densa y ruidosa que tanto influyó a la New Wave y que se le dio el nombre de Free Funk era otra confirmación de los mismos principios de este hombre que, con humildad, generó una verdadera revolución sonora. En palabras del mismo Ornette: “En la música que nosotros tocamos ningún interprete es el líder. Pero cualquiera puede serlo en cualquier momento. Más que querer ser un éxito yo mismo, yo quiero que la música sea exitosa”. Aunque tome 50 años lograrlo.

 Ornette Coleman se presenta el jueves 7 de mayo a las 21, en el Gran Rex, Av. Corrientes 857. Tel.: 4322-8000.