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Se reeditó “De Prepo” en el sello virtual Liquidjazz

octubre 9, 09
Se reeditó un disco fundamental de la historia del jazz argentino, “De Prepo”, un proyecto de Jorge López Ruiz, Fernando Gelbard y “Pocho” Lapouble, a través del sello virtual Liquid Jazz.
In May 1972, Jorge López Ruiz, Fernando Gelbard and ‘Pocho’ Lapouble had been part of an ensemble gathered around a project of Lapouble’s and released under the name of ‘Ego’ by Jazz Band de Free (released digitally by . The music in that album may be described as a ‘fusion’ of Ornette Coleman’s and Miles Davis’ electric propositions on what ‘free’ jazz might be, as seen from Buenos Aires by musicians deeply rooted in bop and hard bop. Four recording sessions in October 1972 brought the three musicians together again on a project of López Ruiz’s and based on a more meditative but full-of-energy approach, stemming from Davis and his alumni, Weather Report. One of the tunes in ‘De Prepo’ is titled ‘Mirosbass’, an homage to Miroslav Vitous, bassist with the first Weather Report. A pun on his name, ‘Mirosbass’ is ethereal, but not wholly so; the Jorge López Ruiz 5 have almost no rock flavour, the bop roots of all concerned show clearly, and they have found their own very melodic way of dealing with freedom. So here we are confronted with a musical daydream, sweet and energetically propulsive in equal measure, if I may say so. Let me be contradictory perhaps, but the music in this album strikes me very much in the aforementioned way. Allow yourself to be rocked into a daydream-like haze and be open to the music as it is: highly enjoyable. Times were pretty hard in Argentina by 1972, and would get dangerously tougher still; the jazz musicians involved in this record reflected this, wanting the music to sound risky and pushy. Yet thirty years later the music is perceived as quite soothing. This view changes nothing as to the quality of their effort named ‘De Prepo’ (‘Forcing Your Hand’), it only shows they found original ways to overcome hardships, fears and frustrations; for as John Keats very charmingly said: ‘A thing of beauty is a joy forever’. Escapism? No, definitely not. Rather art in a very effective way.
Take a look at three of the titles: ‘Homenaje a la Muerte’ (‘Homage to Death’), ‘Puntos de Partida’ (‘Points of Departure’) and ‘Todo Fluye’ (‘Everything Flows’). Don’t they show real philosophical, albeit metaphysical, preoccupations associated with the music? Then ‘Homenaje a la Muerte’ (‘Homage To Death’) is followed by the very much alive ‘Mirosbass’, as ‘Todo Fluye’ (‘Everything Flows’) precedes the tender ‘Oda Para Mi Niña’ (‘Ode For My Little Girl’); the final title is ‘Más De Prepo Que Nunca’ (‘Forcing Your Hand More Than Ever’), a way of saying ‘we’re more alive than ever before and this is our way of forcing your hand, actually not even forcing your ear: our music speaks for itself’. Don’t forget they are in Argentina, it is late 1972 and circumstances in Argentina are forcing them to become aggressively pushy. But they just want you to listen to a thing of beauty that is a joy forever. ‘Homenaje…’ sounds possibly too restrained today, retrospectively juxtaposed against the terrible wave of violence Argentina was to live through until the fall of the military dictatorship in 1983, but in its own quiet way it expresses the deep respect and concern the group had for life. A feeling that would become inexorably mired in personal insecurity and deep trouble under the rule of men who never spoke literally, but acted out: ‘Long live death!’
They knew very well they belonged to the cream of jazzmen in their country and time has confirmed their view. Only then, the local scene was extremely conservative, with a majority of musicians, critics and media people dead against avant-garde jazz. Traditional and mainstream jazz seemed to be what most attracted the public; more modern jazz had only a moderate appeal. So the fact that some of the better-known modern jazzmen were ready for the challenge of free and avant-garde jazz, was almost intolerable to the rest of the musicians and the opinion makers. Then the listeners had their say and they responded positively to the challenging music this avant-garde minority was producing, much to the astonishment of everyone involved. This middle-class group of musicians, reacting in their own artistic way to the many challenges of the epoch, opened new ground for music development in Argentina. And their very gentleness in so doing might imply also that the anger and aggressiveness in much north american and european music of the late 1960s and early 1970s was apparently excessive.
Who are they? Jorge López Ruiz, a highly respected arranger, composer and bassist (on this album also playing electric bass, cello and piano), had played with a legendary quintet led by Lalo Schifrin in 1956-1957; the featured saxophonist was Gato Barbieri. López Ruiz had also been Schifrin’s big band bassist along with Gato. López Ruiz always played with the best in argentinean jazz. For this particular project he was surrounded by musicians of the same level: Hugo Pierre, here on soprano and clarinet, but a superb alto and tenor saxophonist too. Somewhat younger are Fernando Gelbard on Fender piano and flute, and drummer-percussionist Carlos ‘Pocho’ Lapouble. Gelbard was a pianist very much involved with the flute or perhaps vice versa; and also a pioneer in electronics applied to jazz, for electronic instruments were new to the jazz scene in the early 1970s and a rarity in Argentina. He had also played with Gato Barbieri and another great tenor from Argentina, Chivo Borraro. Long before that, as a teenager pianist at the time of Schifrin’s quintet of 1956, Gelbard had played once for Lalo who gave him some advice: ‘Kid, you sound too much like Brubeck, you should listen to Horace Silver’. Which he did – witness the reissue ‘El Nuevo Sonido Del Chivo Borraro’ (WMLP/CD-0027). Lapouble has always been someone as full of talent as of ebullience, so it didn’t take long for him to be counted among the best argentinean jazzists. A bit younger, percussionist Miguel ‘Chino’ Rossi does a very creative job here.
De Prepo’ is an extremely convincing testimony of high musicality, purpose and dynamism. Be a witness to a musical experience that points to the then-unknown, based on a sound knowledge of jazz roots. It is perhaps due to Buenos Aires’ special jazz scene: not many great jazz names from the States or Europe used to visit, musicians had to rely on records, travel, hearsay and personal enthusiasm. Enthusiasm is probably what it boils down to. And the joy of creating beauty under duress: the tragic circumstances of Argentina’s history transmuted into musical creativeness.
Norberto Gimelfarb, Yverdon (Switzerland), December 2002

Copyright (p) ©2009 LTD (BVI). All rights reserved.

de prepo

1) HOMENAJE A LA MUERTE (Jorge Lopez Ruiz) (6:13)
2) MIROSBASS (Pocho Lapouble) (4:34)
3) PUNTOS DE PARTIDA (Pablo Lopez Ruiz) (7:19)
4) TODO FLUYE (Pocho Lapouble) (6:34)
5) ODA PARA MI NIŇA (Jorge Lopez Ruiz) (3:48)
6) MAS DE PREPO QUE NUNCA (Pocho Lapouble) (6:16)
JORGE LOPEZ RUIZ, bass, electric bass, cello, vocalese
FERNANDO GELBARD, Fender Rhodes ® piano, flute
HUGO PIERRE, soprano sax, clarinet
CHINO ROSSI, percussion
Produced by Walter Thiers and Jorge Lopez Ruiz
Recording Engineers: Osvaldo Acedo and Carlos Piriz
Recorded at Estudios ION, Buenos Aires, October 1972
Re-release , 2002, produced by Charlie Leach (
Digital re-release, August 2009, produced by Fernando Gelbard for LTD (BVI)
Cedar processing, 2002, from the original vinyl LP by Sean ‘Big P’ Pennycook, London
Remastered by Luigi Hoffer at Digital Mastering Solutions Rio de Janeiro December 2002
Digital mastering 2009 by Maria Puga Lareo , My Keter Records, New York
Cover design : Pocho Lapouble
Licensed by Jorge Lopez Ruiz
(p) © 2009 LTD BVI 

Nuevo CD “Reunión” de Pepi Taveira

agosto 13, 08

Fuente: DoctajazzFederico Monjeau para Clarin

Un jazz sin fronteras
En un notable disco con composiciones propias, el baterista argentino se luce junto a Enrique Norris, Jerónimo Carmona y Pablo Puntoriero. Reunión es el último disco de Pepi Taveira, en un cuarteto que completan Enrique Norris en corneta, piano, órgano Hammond y percusión, Pablo Puntoriero en saxos alto y tenor, flauta y percusión y Jerónimo Carmona en contrabajo. Además de batería, el set de Taveira incluye bolón, balafón, mbira y percusión.

El álbum tiene, en efecto, más el aspecto de una reunión de músicos notables que de algo perfectamente elaborado y cerrado. Esto no quiere decir que el disco sea disperso. Al contrario, se advierte una profunda conexión, una antigua sintonía. El segundo tema -más precisamente, la primera parte de la segunda banda, que está formada por tres temas sin interrupción- parece un concierto de lobos marinos; como unas voces prehistóricas que se desperezan, cálidas y quejumbrosas (el contrabajo con arco se suma al coro en los extremos del registro). Hay una especie de calor animal, y algo de ese clima se proyecta sobre buena parte del disco.

Hay también un elemento de prehistoria instrumental: el sonido de un viejo órgano Hammond, que en el primer tema del álbum (el que da nombre al disco) se oye como una forma residual y a la vez exasperada. Hay algo intenso y extremo en este disco, y Taveira lo asume gráficamente desde el título de una de las piezas, Descanso, un auténtico remanso. Su sentimiento lírico es acentuado por el arcádico sonido de la flauta, más un piano que se columpia sobre las armonías y desgrana dulcemente su fraseo a la manera de Satie, mientras la percusión aporta el único momento convencionalmente “climático” del disco, con palo de agua y otros accesorios igualmente inconvenientes.

El disco recorre diez temas distribuidos en siete bandas. La unión de algunos temas (tres por un lado y dos por el otro) revela el gusto de Taveira por formas transicionales que evitan fijar con claridad cuando termina una cosa y empieza la otra. Hay por momentos un efecto de sobreimpresión que se traduce en una música en varios planos, como en la hermosísima Plegaria, de Taveira y Norris, escrita sobre una breve frase en forma de pregunta y respuesta. El borramiento de fronteras alcanza no sólo los finales y comienzos de algunas de estas piezas, sino también la identidad misma de la música: nadie diría que no es un jazz verdadero, y nadie podría asegurar que es un jazz de género.

Pepi en la clínica organizada por Docta Jazz

Nota al pie de la editora de este blog:

Dice el periodista: “otros accesorios igualmente inconvenientes” (?). Se nota que desconoce la trayectoria de Pepi en cuanto a la utlización de elementos de música africana en la suya propia, por lo que no podría calificarse de “inconveniente” (¿para quién?) una elección estética, a mi entender, tan importante y constitutiva de este artista.


Latinoamérica en Fusión Judá

marzo 3, 08

Luego de siete años de trabajo, creación y presentaciones -revelados en lo ajustado de la sonoridad grupal- el combo chileno Fusión Judá presentó su primer CD “A paso firme” grabado en mayo pasado en la Sala Master de la Radio Universidad de Chile.

Se trata de un vasto recorrido por la rítmica del continente en una búsqueda que incluye al rock, el jazz y las músicas folklóricas de las distintas regiones, y que conforma un bello mosaico de colores y texturas enmarcado en una tradición muy cultivada en el país trasandino, como es la fusión latinoamericana.

El punto más alto está representado por la fluidez y variedad de climas del track 4, Nuevo Día. Para escuchar parte del material, visitar el My Space de Fusión Judá.

Fusión Judá es:

Lucas Flores – Bajo eléctrico
Daniel Trujillo – Batería
Dany Montecinos – Saxofón y percusiones
Felipe Vasconcelos – Piano eléctrico, teclados y melódica
Juan Montecinos – Flauta traversa y percusiones
Enrique Vasconcelos – Guitarra acústica y eléctrica, quena y flauta dulce
Juan Pablo Conteras – Sonido

Primer lugar, Festival de Bandas Zona Sur organizado por la Corporación Cultural Tour Marginal
Primer lugar, Festival de Jazz al Aire Libre con Bandas Jóvenes Restaurant La Chimenea

fusion juda


Sur, fusión jazzística latinoamericana

enero 16, 07


La escena de jazz en Santiago de Chile presenta, en la actualidad y desde hace tiempo, una rica oferta en propuestas de fusión, lo que el musicólogo Alvaro Menanteau, autor de “Historia del jazz en Chile”, denomina fusión criolla: “la combinación de nuestra música tradicional con cualquier otra música o procedimiento musical foráneo” (ver más en “Hacia una redefinición del término fusión”, en este mismo blog).
En principio esto marcaría algunas diferencias con la experiencia argentina, a la que ya hemos empezado a abordar en otra oportunidad (ver “Identidad, Jazz Argentino, y van…”).
Pero, situándonos en el contexto chileno, pudimos escuchar el primer trabajo del grupo Sur, integrado por Rodrigo Ratler en piano y sintetizadores, Willy Pino en bajo y Omar Pazols en batería. La sonoridad eléctrica base del trío se completa, en la placa, con el aporte de Hugo Díaz, en violín, Cristina Gálvez, en voz, y Jorge Almonacid en percusión.
El resultado es un mapa de texturas, timbres, ritmos y motivos de la música latinoamericana, lo que incluye las muy chilenas cuecas, lo andino del norte y sur del país, más algunas referencias al tango y el candombe rioplatense. Pero, como de fusión se trata, las armonías son jazzísticas otorgándosele a la improvisación un papel crucial. La soltura para viajar entre una rítmica y otra es una de las características salientes del trabajo, que, a nuestro oído, alcanza su máxima expresión en el tema “El último viaje”. Sur es un excelente ejemplo de la actualidad de la fusión como abordaje de la música, más allá de la cordillera.


Sergio Petravich y su CD “El Camino”

septiembre 11, 06

Coherencia y evolución. Dos ideas que surgen de la escucha del nuevo trabajo del saxofonista Sergio Petravich.
De gran trayectoria en el jazz local, Sergio ha recorrido por años la senda de lo contemporáneo y un cierto “hard” free (perdón por el neologismo). Su música siempre ha estado impregnada de un cierto sentido existencial (recuerdo un tema de su disco anterior que se llamaba algo así como “En el infierno las cañas no se rompen nunca” -¿o era en el cielo?-).
Ahora nos trae su nueva producción, El Camino (refiere al Tao en los textos del libro interno), metáfora de un sí mismo y del trabajo musical.
Como novedad, Petravich se acerca a ritmos autóctonos argentinos y de la Europa Oriental, los que funcionan como subtexto de su potente estilo personal.
Lo acompañan Javier Asencio en piano, Carlos Alvarez en contrabajo y Gustavo Goyheneche en batería, un combo ajustado pero que nos deja con ganas de escucharlos soltarse un poco más.
Sí lo hace Petravich en el muy buen solo de “Autorretrato”.
Lo que más nos gustó: “Atravesando el desierto (a Bela Bartok)”, una pequeña suite que desarrolla desde la composición temas y climas con gran originalidad dramática, y que cuenta con una lograda participación del violinista Sergio Poli.
También, “Nostalgias de lo que no fue”, una murga que Petravich incorpora como cierre de sus conciertos en vivo (voces masculinas cantando en el jazz!).
Algo distinto en el panorama actual.

Sergio Petravich Cuarteto
1. Autorretrato
2. Atravesando el desierto (a Bela Bartok)
3. Dibujo sobre un vidrio empañado (aire de zamba)
4. Como el alma del guerrero
5. Los hermosos perdedores (aire de chacarera)
6. Sombras
7. Nostalgias de lo que no fue (murga)
Editado por PAI